STATUAIRE GRECO/ROMAINE

Laocoon était un prêtre d'Apollon dans Troie assiégée. Lorsque les grecs laissèrent sur la plage le fameux cheval de bois, les Troyens voulurent le faire entrer en ville pour le consacrer à Athéna. Laocoon, méfiant, en frappa le flanc avec une lance et, entendant un son creux, avertît les troyens qu'il s'agissait certainement d'un piège. Peu de temps après, deux serpents jaillirent de la mer pour l'étouffer, lui et ses fils et les troyens y virent le châtiment de la déesse offensée.

Le groupe du Laocoon est un chef-d'oeuvre de la statuaire hellénistique. Il a sans doute orné la Domus Aurea de Néron, puis le palais de Titus. Il est attribué à trois artistes, Agésandros, Athénodore et Polydore. Disparu, il est redécouvert le 14 janvier 1506 à l'occasion de fouilles. Incomplet, il faudra attendre 1905 pour retrouver le bras droit du personnage principal. Cette oeuvre splendide bouleverse Michel-Ange et le pape Jules II, déchaîne les passions et les convoitises de tous les grands d'Europe. En 1515, François Ier, roi de France, la demande au pape, en vain. En 1520, le monarque renouvelle sa demande, cette fois d'une copie en bronze. Pour le contenter, Léon X commande au sculpteur florentin Baccio Bandinelli une copie en marbre, qu'il finira par garder pour lui. François Ier, obstiné, obtiendra finalement satisfaction en envoyant, dans les années 1540, Le Primatice à Rome pour prendre des moulages de l'oeuvre.
Les artistes de la Renaissance furent stupéfaits et admiratifs devant la vie, l'énergie et le mouvement dégagés par la statue, la définition des muscles, la torsion du corps. Cette statue allait considérablement influencer nombres d'artistes et annoncer le Baroque.

L'oeuvre est actuellement conservée au musée du Vatican. Une copie se trouve à la Galerie des Offices à Florence.

Groupe en terre cuite, probablement l'acrotère d'un fronton. Le chef des dieux, bâton noueux du voyageur en main, conduit le fils du roi de Troie sur l'Olympe, où, gratifié d'une jeunesse éternelle, il sera l'échanson des dieux.

Le coq que tient Ganymède est le symbole de l'amour qu'a fait naître dans le coeur de Zeus la beauté du jeune homme. L'expression de l'homme mûr, à l'air résolu et satisfait, contraste avec le regard rêveur et insouciant de l'adolescent. C'est la première fois qu'on rencontre dans l'art grec cette "psychologie" de l'âge.

On ne sait malheureusement pas le nom de l'artiste qui l'a sculptée. Mais elle provient d'un atelier corinthien et date de 480-470 av. JC.

Une de mes statues préférées, que j'ai eu l'occasion d'admirer de près. Le pugiliste des Thermes est une sculpture grecque antique en bronze mesurant 1,20 mètre de hauteur. Elle a été retrouvée dans les thermes de Constantin, à Rome, et est actuellement conservée au palais Massimo alle Terme.
L'oeuvre représente un pugiliste assis sur un rocher juste après un combat et qui tourne violemment la tête. Il porte un pagne et des cestes (gants constitués de lanières de cuir épais enroulées autour des doigts et laissant libre le pouce, avec une bordure de fourrure).


Le corps ne porte pas de trace de blessure au bras, mais le visage est marqué par les coups : l'oreille est écrasée, le nez cassé et le visage porte des cicatrices avec des incrustations figurant les blessures.


Le pugiliste est une œuvre en bronze, mais d'un très grand raffinement. Si les yeux (qui devaient être incrustés) ont disparu, de nombreuses petites incrustations de cuivre rouge figurent le sang des blessures, sur les doigts et la tête. Le mouvement de la tête fait également voleter des gouttelettes, d'où la présence aussi d'incrustations similaires sur l'avant-bras et la cuisse droits.

D'un point de vue stylistique, le Boxeur, avec sa musculature bien dessinée et son rendu réaliste des blessures, est l'archétype du style hellénistique dans sa recherche de réalisme et l'expression des sentiments qu'on peut lire tant sur le visage que dans le mouvement de l'homme.

Voyageur Solitaire a écrit:

Ah ouais, quand même ...

Je savais que le pugilat était un sport violent mais je ne pensais pas jusque-là ... en fait, la boxe à côté, c'est rien.

On lâchait deux hommes dans l'arène et on les laissait se battre. Pas de règles et tous les coups étaient permis. Un peu comme les combats de coqs ou de pitbulls...

Je suis toujours impressionné par la qualité du travail des artistes de cette époque. Arriver à une tel précision anatomiques, dans les gestes les textures et les expressions avec des matériaux comme le bronze ou la pierre. Chapeau à nos ancêtres.

Cette représentation imposante (3 mètres de haut) d'Hercule se trouve au musée archéologique de Naples. Découverte au XVIème siècle, il semble qu'elle ornait le frigidarium (bain froid) des immenses et somptueux bains de Caracalla à Rome.
Le demi-dieu est représenté fatigué et pensif, s'appuyant sur son gourdin recouvert par la peau du lion de Némée, tué plus tôt.
Derrière son dos, sa main cache les fameuses pommes du jardin des Hespérides.


Copiée un grand nombre de fois (on en trouve une copie à Versailles), cette oeuvre détonne dans la statuaire grecque dont elle est issue. Pour une fois, pas d'éphèbe svelte, élancé et imberbe, mais un colosse imposant et barbu, dominant le spectateur de toute sa masse.
Le rendu de la musculature est d'ailleurs impressionant :

Parmi les nombreux chefs-d'oeuvre du musée du Capitole, à Rome, se trouve ce bronze, sans doute le plus expressif et magnifique que j'ai vu, représentant Marcus Junius Brutus.


Les yeux sont incrustés, ce qui donne ce regard si expressif. Le buste a été rajouté à une époque ultérieure. On remarquera la barbe, inhabituelle sous la République, époque où les romains se rasaient soigneusement d'ordinaire.

Voyageur Solitaire a écrit:

Parmi les nombreux chefs-d'oeuvre du musée du Capitole, à Rome, se trouve ce bronze, sans doute le plus expressif et magnifique que j'ai vu, représentant Marcus Junius Brutus.

Les yeux sont incrustés, ce qui donne ce regard si expressif...

Oui, son regard est fascinant, et il ressort d'autant plus que les cernes sont accentués, et que la bouche est presque figée.
Le résultat est étonnant.

C'est l'une des caractéristiques du portrait chez les romains : Ces derniers privilégiaient le réalisme et la ressemblance, allant jusqu'à représenter ou ne pas masquer les "défauts" du visage (cernes, rides, poches sous les yeux...), là où les grecs "sublimaient" souvent leurs visages pour en donner une image idéalisée.

Les silènes faisaient partie, avec les bacchantes, de la suite de Dionysos, dieu du vin, du théâtre et de l'ivresse. On les représentait souvent comme de joyeux noceurs couronnés de vigne, un peu enrobés et barbus, amateurs de farces et joyeux fêtards.

Cette statue, chef-d'oeuvre du sculpteur grec Lysippe (IVème siècle av J.C) représente l'un de ces silènes portant dans ses bras son futur maître, le divin Dionysos encore enfant. On l'apelle également Le faune à l'enfant. Cette oeuvre est visible à Paris au musée du Louvre.

Retrouvés intactes, ces statues font partie des plus magnifiques sculptures en bronze de la Grèce antique. Deux guerriers en bronze datés du Ve siècle av. J.-C. (vers 460 pour le guerrier A et vers 430 pour le guerrier B) et conservées au musée national de Reggio de Calabre. Un peu plus grands que nature (1,98 mètre de haut pour le guerrier A, 1,97 mètre pour le guerrier B), ils furent découverts en 1972 au large de Riace, en Calabre, probablement sur les lieux d'un naufrage dans l'Antiquité.



Le visage est particulièrement soigné, avec application de cuivre rouge sur les lèvres et d'argent sur les dents. Les globes oculaires sont en ivoire. Un soin particulier est apporté à la chevelure et à la barbe.


L'artiste a délibérément exagéré certains détails comme le dessin des muscles du bas ventre, pour mieux différencier le haut du bas du corps, le sillon de la colonne vertébrale est exagéré pour mieux faire ressortir les muscles dorsaux, la pointe du coxis a été gommée pour mieux marquer la cambrure des reins et le galbe des fesses et les jambes ont été allongées.
Il s'agit donc d'une vision du corps humain "magnifiée", idéalisée.

Nommé aussi le faune endormi ou le satyre endormi, cette œuvre de la Grèce antique fût découverte vers 1623 et entra dans les collections privées du pape Urbain VIII, prenant le nom de sa famille, les Barberini. Sur ordre du souverain pontife, le Bernin la restaura, une des jambes étant endommagée de même qu'un bras. Le sculpteur fût accusé d'avoir accentué l'aspect érotique de l'œuvre, ce qui n'a jamais été prouvé.

Imposante (2,15 mètres de haut), elle constitue une œuvre impudique et sensuelle, provocante. Taillée dans le marbre, elle représente un satyre ou un faune alangui, endormi même, probablement sous l'effet du vin. Le corps est musclé, athlétique, la pose témoigne de la maîtrise de l'artiste originel, inconnu. Rien de figé, tout est naturel, fluide.
Il faut y regarder de près pour se rendre compte qu'il s'agit d'une créature mythologique et non pas d'un homme : de très près, on aperçoit la queue du faune et ses oreilles pointues.


Le visage est très expressif avec la bouche entrouverte, la tête renversée en arrière, les cheveux décoiffés et les traits marqués illustrant un sommeil fatigué, sans doute suite à quelques excès...


La pose, provocante, est normale au vu du sujet représenté : faunes et satyres étaient des créatures paillardes, sensuelles, à forte dominante sexuelle, poursuivant indifféremment nymphes et bergers, encore plus lorsqu'ils étaient ivres. Ils symbolisaient l'énergie sexuelle, le plaisir, le sexe. Compagnons de jeu de Dionysos, ils faisaient partie de la suite du dieu avec les silènes et les bacchantes, en une troupe joyeuse et paillarde, dans une sarabande perpétuelle.

Loin des statues figées à la pose hiératique, le faune endormi se révèle incroyablement vivant, sensuel, plein de vie, de naturel. Une statue devenue un modèle de nu masculin, repris par quantité d'artistes au fil des siècles.
Ici, une reprise par Bouchardon, représentant l'œuvre dans son intégralité :

Chef-d'oeuvre d'expressivité et chef-d'oeuvre tout court, cette magnifique tête en bronze représente le roi thrace Seuthes III. Elle a été retrouvée, intacte, enfouie dans la tombe du roi découverte en Bulgarie en 2004.
Une tombe qui a révélé en outre plus de 130 objets dont la couronne d'or du souverain, ses jambières et épées, son casque...

Mais c'est bien cette superbe tête en bronze qui en reste la pièce maîtresse, reflet du savoir-faire et de la maîtrise des sculpteurs de l'époque, vers 300 avant J.C. Les yeux sont incrustés ce qui fait ressortir l'expressivité du visage, la finition et le détail de la coiffure sont incroyables, donnant une impression de mouvement et de naturel. Les archéologues ne pensent pas qu'elle faisait partie d'une statue : la tombe était inviolée, intacte, et on n'a pas retrouvé de statue à l'intérieur.

Seuthes III était contemporain d'Alexandre le Grand contre lequel il entra en rébellion, ne devant la vie qu'à la mort du conquérant. Il dût néanmoins se soumettre à ses successeurs et mourût au cours d'une bataille.
Ce chef-d'oeuvre de la sculpture hellénistique est visible au musée de Sofia, en Bulgarie.

Trois statues inattendues et assez pittoresques, autour de Pan...



Le lubrique Pan qui hantait les bois et forêts à la poursuite de jeunes nymphes ou de beaux bergers importune ici Aphrodite en personne. Aidée par Eros qui repousse Pan par ses cornes, la divine sortant du bain lève sa sandale pour remettre l'importun à sa place.
L'œuvre est visible au Musée Archéologique d'Athènes.


Ici, notre coquin s'en prend à un jeune satyre mais lui veut du bien car il l'aide à retirer une épine de son pied. Assis, reconnaissable à ses jambes de bouc et ses cornes, Pan semble tout absorbé par sa tâche...
On peut voir cette œuvre au Musée du Louvre.




La plus osée des trois. Notre créature des forêts, mi-homme, mi-animal, s'unissait donc parfois aux animaux. Cette sculpture, vestige de Pompéi, ne choquait pas à son époque : l'union avec un animal est très présente dans la mythologie gréco-romaine. Zeus se transforma en cygne pour s'unir à Léda, Pasiphaé se donna à un taureau pour engendrer le Minotaure... Cette œuvre, redécouverte lors des fouilles sur le site au XVIIIème siècle fût longtemps cachée dans une collection "secrète", réservée à un public averti.
Tous peuvent la voir aujourd'hui au Musée Archéologique de Naples.

C'est vrai qu'elles sont pittoresques, à l'image de Pan qui sort franchement de l'ordinaire par rapport aux dieux.
En voyant la troisième statue, une pensée m'a fait sourire en imaginant une scène : je me demande la tête que feraient des bergers s'ils trouvaient cette statue en plein milieu de leur champs, avec les chèvres autours. Cela mériterait une bonne caméra cachée.

La tête en bronze de Seuthes est criante de réalisme et d'expressivité, c'est assez impressionnant.

On croirait presque à un masque et on attend de le voir s'exprimer et parler, vraiment marquant.

Bien travaillé, le bronze est souvent plus expressif que le marbre. On a parfois l'impression qu'il a été directement moulé sur le corps ou le visage du modèle...
D'autres exemples avec :

J'ai toujours préféré le bronze que le marbre au niveau du visage pour les statues.

Ca leur donne en effet un coté plus expressif, plus réaliste.

On croirait ces statues presque vivantes, ces visages près à nous parler, c'est vraiment fascinant.

L'apoxiomène est un athlète en train de se racler la peau avec un strigile (racloir) pour en enlever huile, sueur et poussière après l'entraînement et avant le bain.

C'est un sujet récurrent de la statuaire gréco-romaine et il en existe de nombreux modèles, souvent en marbre. Mais l'Apoxiomène de Croatie est sans doute le plus beau, bien qu'il lui manque un doigt. Haut d'1,92 mètre, il représente donc un jeune athlète ayant terminé sa toilette et nettoyant son strigile (disparu). Les yeux devaient être incrustés autrefois, les lèvres et les mamelons le sont toujours, de cuivre rouge.



C'est en 1996 qu'un plongeur amateur belge, simple touriste, découvre la statue par 45 mètres de profondeur, au large de la Croatie. Elle faisait certainement partie de la cargaison d'un navire marchand coulé suite à une tempête. Une fois remontée à la surface, elle fût longuement nettoyée et restaurée. Elle est dans un état de conservation absolument remarquable et a même été prêtée au Louvre pour une exposition exceptionnelle avant de rejoindre la Croatie.

A-t-on pu dater la statue ?

La seule info que j'ai trouvé, c'est qu'il s'agirait "d'une copie en bronze du IIème siècle avant J.C, copie d'un original en bronze également du IVème siècle avant J.C".
Ce fameux original n'est en fait que signalé par Pline l'Ancien qui évoque "une statue de Lysippe représentant un athlète en train de se nettoyer". La mention du sculpteur a donc permis de dater ce fameux original.

Il y a plusieurs apoxyomènes dont celui d'Ephèse (en bronze) et celui du Vatican (en marbre). L'empereur Tibère était tombé "amoureux" de celui du Vatican qui ornait les thermes d'Agrippa à Rome et l'avait fait enlever pour le mettre dans sa chambre afin de pouvoir toujours l'admirer. Furieux, les romains se massèrent devant le palais impérial pour réclamer le retour de la statue aux thermes et l'empereur dût céder...
Mais celui de Croatie est le plus beau et surtout, à l'exception du doigt manquant, il a été retrouvé intact. Une couche épaisse d'éponges, d'algues et de sédiments le recouvrait, le protégeant ainsi de toute altération.

Son véritable nom est l'Apoxyomène de Losinj, du nom de l'île croate au large de laquelle il a été trouvé. Il a voyagé neuf ans, de musées en musées (dont le Louvre), avant de rentrer en Croatie.

La Louve, avec sa puissance évocatrice, est le symbole de la ville de Rome.

Elle fut transférée à l'intérieur du palais du Capitole, lorsque Michel-Ange, mandaté par le pape Sixte IV, fut chargé de rénover l'édifice au XVIe siècle. C'est d'ailleurs à cette époque que les jumeaux de bronze furent ajoutés, sculptés par Pollaiolo. L'ajout de ces jumeaux transforma l'ancien symbole du pouvoir antique en "Mater Romanorum".

Œuvre célèbre à l'origine d'un anachronisme récurrent dans quasiment tous les péplums où l'on voit la statue avec ses deux bambins (Romulus et Remus) en plein Sénat alors que les jumeaux ne furent effectivement rajoutés qu'à la Renaissance...

Un mythe de la louve qui a certainement des origines bien moins mythologiques : Lupa signifie bien une louve en latin mais c'est également ainsi que l'on désignait une prostituée. Recueillis par le berger Faustulus, les deux nourrissons auraient été donc confiés à une prostituée qui les aurait allaités.
Lupa qui a donné d'ailleurs par la suite Lupanar, synonyme de bordel.

C'est l'un des chefs-d'oeuvres de la statuaire grecque et l'un des rares en bronze qui nous soient parvenus.
Comme son nom l'indique, il a été trouvé sur le site du sanctuaire de Delphes, dédié à Apollon, là où officiait la fameuse Pythie, délivrant ses oracles au nom du dieu. Il a été trouvé en 1896, en plusieurs morceaux. C'est paradoxalement un violent séisme qui l'a préservé, l'enfouissant sous une épaisse couche de terre et de gravats qui l'ont protégé pendant des siècles.

A la base, il s'agissait d'un ensemble imposant, représentant un aurige, "celui qui tient les rênes" sur son char devant lequel se tenait un jeune palefrenier.
Il ne reste aujourd'hui que l'aurige, auquel il manque le bras gauche.

La statue mesure 1,82 mètre de haut, en bronze, et représente donc un aurige, pieds nus et vêtu d'une longue robe droite et plissée, ceinturée à la taille. Des lanières nouées sous les aisselles empêchaient le vêtement de gonfler dans le vent et donc de gêner le conducteur du char. Un bandeau, celui de la victoire, noué par derrière lui enserre la tête. Notre aurige est positionné de trois quarts face, tournant légèrement la tête vers la droite. Suprême maîtrise : la partie gauche de son visage est plus développée, dans un souci de correction optique, par rapport à l'angle de vue du spectateur. Il tient dans sa main droite les rênes de son attelage.
Ses yeux, très expressifs, sont en pâte de verre, avec des cils coupés dans le métal. Réalisme incroyable : quatre dents originellement plaquées d'argent sont présentes dans la bouche entrouverte. Certaines mèches de ses cheveux, celles qui entourent ses oreilles, ont été coulées à part et fixées ensuite, de même que le bandeau. Les plis de ce dernier étaient incrustés de fil d'or.







L'oeuvre est datée et on connaît même le nom de celui qui l'a commandé. L'aurige a été consacré dans le sanctuaire en 478 ou 474 av. J.-C. par Polyzalos, tyran de Géla et frère du tyran de Syracuse Hiéron Ier, pour célébrer la victoire de son char aux Jeux sacrés qui y avaient lieu tous les quatre ans. C'était l'usage pour les vainqueurs, lors des Jeux, de faire édifier une statue afin de commémorer leur victoire et de la consacrer ensuite aux dieux.
La statue, bien que magnifique et d'un grand réalisme, garde encore un aspect droit et figé. Les sculpteurs de l'époque n'avaient pas encore appris comme le fera plus tard Praxitèle, à infuser le mouvement et la torsion des corps dans le marbre, la pierre ou le bronze. A l'époque, le bronze avait un aspect doré, semblant coulé dans l'or.
Pour l'avoir vu, je confirme qu'il est saisissant, surtout au niveau du regard, très expressif. D'autant plus que mesurant 1,82 mètre auquel on peut rajouter son socle, il est quasiment à ma taille (1,88 mètre), j'avais vraiment l'impression d'avoir un homme statufié devant moi.

Le jeu vidéo Assassin's Creed Odyssey donne une idée de son apparence lorsqu'il était complet, avec son quadrige, char à quatre chevaux (mais sans le jeune palefrenier devant) :

J'aime bien l'anecdote du séisme qui l'a préservé. J'aurai tendance à le préférer sans cheval...