LE JAZZ, LA SOUL, LE GOSPEL ET LE BLUES DU VIEUX SUD

Voici le Vieux Sud, la Nouvelle Orléans et les bayous, les grandes plantations à colonnes blanches... Dans la moiteur du sud profond et le parfum lourd des magnolias, voici le Blues, le Jazz et le Gospel pour chanter la misère, la révolte et l'espoir, sans oublier la Soul. Embarquez sur le Mississipi et partez sur les traces d'Ella Fitzgerald, d'Armstrong, de Ray Charles, Aretha Franklin et tant d'autres...

Le Vieux Sud ou Sud Profond a vu naître beaucoup de genres musicaux, principalement ceux de la musique noire, dont le blues, le jazz, le gospel...


Le blues exprime la tristesse, la mélancolie, les idées noires, voir la révolte parfois. Ce genre est profondément lié au Vieux Sud pour des raisons historiques et sociales. Il est né dans les champs de coton où les esclaves noirs chantaient leur labeur et leur condition, principalement dans le delta du Mississipi. S'y ajoutèrent par la suite des percussions et autres instruments. Viendront bien plus tard la guitare, l'armonica et le piano.
Après la guerre de Sécession, le blues migra vers le nord : des milliers d'anciens esclaves se retrouvèrent ouvriers et exploités dans les usines et fabriques et, quoique libres désormais, dans des conditions de travail parfois guère meilleures que celles d'autrefois, en tous cas, toujours en butte au mépris du reste de la société.


Le gospel est lui tourné vers la religion. Il est issu des chants religieux et se développe en même temps que le blues. Il consiste en des hymnes et chants religieux traditionnels accompagnés à l'orgue le plus souvent, avec des claquements des mains et des mouvements du corps.
Comme le blues, le gospel est un chant de révolte (malgré son côté parfois enjoué) contre le racisme blanc, principalement dans les états du Sud. Malgré tout, il reste teinté d'un certain optimisme par la foi en un monde meilleur et le secours de cette foi pour soulager les épreuves.


Avec les années 1920 et 1930, c'est l'explosion du jazz, venu lui de la Nouvelle Orléans, aidé par la diffusion du disque. Là aussi, les origines sont celles des chants des travailleurs noirs, même si le jazz inclue des influences occidentales. Les orchestres noirs envahissent les dancings où le jazz concurrence le charleston, danse reine de l'époque. C'est l'envol de Sydney Bechet, Louis Armstrong, Duke Ellington, Glen Miller, Cole Porter... Des variantes font leur apparition avec le ragtime, le swing, le Bebop... Une musique rythmée, endiablée, qui correspond à cette soif de plaisirs, cette ivresse d'oublier et cette insouciance caractéristique des Années Folles.
Le blues profite également de cet engouement et de grands artistes enregistrent alors des disques. Mais ces derniers s'adressaient principalement à un public afro-américain...

En effet, la musique noire en général restait marginale et même des artistes réputés se voyaient refuser de pouvoir jouer dans certains cabarets.
Si Joséphine Baker triompha en France avec sa "revue nègre", elle se fît descendre en flammes aux USA. Elvis Presley choquait ses compatriotes du Sud par son amour du blues, du gospel et de la musique noire. La grande Billie Holiday défraya la chronique en étant une femme noire entourée d'un orchestre de blancs. Elle ne pût chanter dans les états du Sud, ni même y réserver une chambre d'hôtel ou entrer dans un restaurant avec les membres de l'orchestre. Et il n'y avait pas que le Sud : En Californie, apprenant qu'un club refusait de laisser chanter Billie Holiday, Marylin Monroe, grande admiratrice de la chanteuse, passa un accord avec le club : Billie Holiday pouvait y chanter et en échange, la star serait au premier rang tous les soirs. Marylin tînt parole et vînt assister au spectacle tous les soirs, attirant les foules dans l'établissement. Le grand Ray Charles, pris à partie par des noirs alors qu'il s'apprêtait à chanter en Géorgie, fît demi-tour et refusa de se produire dans cet état symbole de la ségrégation. Bien plus tard, juste réparation, son tube Georgia devînt l'hymne officiel de l'état.

Emblématique du Blues, George Guy, dit "Buddy", est né en 1936 à Lettsworth, en Louisiane. Influencé dès son enfance par John Lee Hooker, Muddy Waters et Howlin’ Wolf mais originaire d'une famille trop pauvre pour pouvoir se voir offrir une guitare, il s'en fabrique une à l’âge de 13 ans à partir d’une moustiquaire et d’un morceau de bois ... et c'est ainsi que naît la légende...

Trop bon. Tout simplement.

Mustang Sally est un morceau de Wilson Pickett, pour info, donc pas de B.Guy.
Damn Right I've got the Blues qui donne son titre à l'album est un de ses meilleurs titres; l'album lui-même reste l'un des meilleurs parmi ceux de la renaissance (post 90's), en 1991.

Je pense que ça va être compliqué à gérer de mélanger ici le Jazz et le Blues.
En plus il serait légitime de parler de blues acoustique rural, et électrique urbain.

Disons que ce sujet reste quand-même généraliste à la base et concerne l'ensemble de la musique noire jazzy

Sublime...

Voilà du vrai jazz ! :

Un petit morceau jazzy que l'on connaît tous, forcément, mais sans toujours savoir qui en est l'auteur :


Hé bien, il s'agit d'un thème composé à l'origine par Henry Mancini (1924-1994) et repris par quantité de musiciens à travers le monde et au fil des époques :

Un extrait du concert de Chick Corea au festival jazz de Montreux en 2004 :


Chick Corea, né le 12 juin 1941. Il commença sa carrière dans les années 1960 avec des géants de la scène latino comme Mongo Santamaria, Willie Bobo (entre 1962 et 1963) ou Cal Tjader, puis collabora dans les formations de musiciens jazz célèbres comme le trompettiste Blue Mitchell (1964-66), Herbie Mann et Stan Getz (1967).

Si le jazz et le blues ont leurs racines dans le Vieux Sud, ces genres ont souvent pris leur envol depuis les clubs newyorkais. Incontournable, l'Apollo Theater.

Un monument de la musique noire américaine, un monument historique également puisqu'il date, mine de rien, de 1865... Il fût d'abord une salle de bal ouverte par un ancien officier de la Guerre de Sécéssion, puis devînt theâtre en 1872. Au fil du temps, il devient un cabaret, un "café-theâtre" réputé, mais réservé à une clientèle blanche...
Mais voici les Années Folles et l'explosion du jazz. En 1932, l'endroit devient donc un club de jazz ouvert à tous. 1750 places remplies tous les soirs pour voir défiler les plus grands noms du jazz et de la musique noire. La liste donne le tournis :  Ella Fitzgerald et Billie Holiday, Celia Cruz, Diana Ross & The Supremes, Gladys Knight & the Pips, Patti LaBelle, Marvin Gaye, Luther Vandross, Stevie Wonder, Aretha Franklin, Ben E. King, The Isley Brothers, Smokey Robinson et bien plus tard d'autres comme Lauryn Hill, The Jackson Five, sans oublier les débuts de James Brown (qui y reviendra en 1962 enregistrer à ses frais son disque Live at the Apollo devant 1 500 personnes déchaînées...)
Dans les années 1970, Harlem n'a pas toujours bonne réputation, l'Apollo n'échappe pas à la "Blackploitation" et aux difficultés économiques du quartier, l'endroit n'est plus sûr, le déficit s'installe et le club mythique devient un cinéma avant de fermer ses portes en 1976.
Mais l'endroit renaît, tel le phénix, dans les années 1980/1990 et reconquiert son public tandis qu'Harlem s'embourgeoise et change de visage.

Désormais géré par une fondation (Chose courante aux USA) et classé monument historique, l'Apollo reçoit plus d'un million de visiteurs par an. Honneur suprême : La dépouille de James Brown y a été exposée au public les 28 et 29 décembre 2006 pour un dernier hommage, durant lequel des milliers d'Américains sont venus saluer le parrain de la Soul une dernière fois :

Voyageur Solitaire a écrit:

Désormais géré par une fondation (Chose courante aux USA) et classé monument historique, l'Apollo reçoit plus d'un million de visiteurs par an.

Comme quoi un "ministère de la Culture" n'est pas forcément nécessaire pour promouvoir la culture sous toutes ses formes dans un pays. La preuve.

Les USA n'en ont pas et n'ont jamais eu, ce qui ne les empêchent pas d'avoir une vie culturelle des plus productives.

Voilà pourquoi, en France, je pense que l'on devrait supprimer ce mastodonte qui 1/ nous coûte un maximum de pognon 2/ subventionne un paquet de pseudo artistes à la con et 3/ enchaîne la culture au lieu de la libérer. En plus, l'Etat n'a pas à se mêler de culture; on est pas dans un pays communiste ou totalitaire.

Mince... j'ai dévié de ton sujet et je m'en excuse, VS. J'en ai profité juste pour écrire ce que je pense à ce sujet.

Bah, un petit écart de temps en temps ne fait pas de mal. Il est vrai que, contrairement à l'idée répandue, les américains sont très attachés à leur patrimoine. Et très souvent, effectivement, monuments et lieux historiques sont gérés par une fondation ou une association. Ce qui est compréhensible dans un pays très communautariste.
A San Francisco par exemple, c'est la communauté gay qui a entièrement retapé (et sauvé) le vieux théâtre de Castro, le quartier homo tandis qu'à Mission, le quartier hispanique, c'est la communauté latino qui a pris en charge les nombreuses peintures murales qui ornent les murs du quartier. L'état fédéral intervient peu dans ce domaine et les gens n'hésitent pas à se regrouper et s'unir pour défendre un lieu ou un monument et le restaurer. Ils trouvent souvent le financement par des appels aux dons, des soirées pour récolter des fonds (et ça marche, le milieu associatif est très présent, tout le monde met la main à la pâte) et aussi par tout le business qui va autour du site. Certains sont parfois un peu saoûlé par l'inévitable boutique de souvenirs avec carte postale, T-Shirt et porte-clefs, inséparable du lieu qu'ils viennent de visiter, mais souvent, c'est une source de revenus non négligeable.

L'Apollo, un lieu mythique en effet. Celui-ci n'avait pas échappé à la destruction, mais ils ont eu raison de le reconstruire. J'espère qu'ils vont faire de même un jour avec les défunts studios d'enregistrement Stax à Memphis, qui a été un carrefour culturel important. Imaginons un instant les studios Abbey Road des Beatles en déficit puis démolis, et bien c'est un peu comparable. Voir réduite en fumée une grande partie (et la meilleure pour moi) de la soul américaine des 60's et des 70's, c'est incompréhensible. Peut-être que cela n'intéresse pas assez les investisseurs privés ?

Prenez deux pianistes de jazz au talent exceptionnel qui ont fait les plus grandes salles du monde et vous obtenez un spectacle unique de pièces de Bach, Debussy, Chopin, Beethoven et bien d’autres, tout en jazz, avec également au programme Gershwin et Brubeck, deux incontournables du genre. Maîtres incontestés de l’improvisation, les deux pianistes virtuoses prendront un malin plaisir à revisiter les standards du jazz ou les grands classiques pour les amener dans de nouveaux sentiers.

Je suis vraiment ennuyé par ce sujet et beaucoup de ses messages.
Je l'avais déjà un peu évoqué, mais ça ne passe pas de mon côté.
Je suis extrêmement bien documenté sur le blues, j'en joue depuis 25 ans, sans me considérer comme un expert, disons que j'en suis un spécialiste. En jazz (sujet beaucoup vaste), je n'ai pas ce niveau de connaissance, mais suis quand même bien renseigné.

On ne peut pas retrouver la plupart des musiciens cités dans un sujet baptisé LE JAZZ ET LE BLUES DU VIEUX SUD. C'est vrai que le blues et le jazz ont des racines communes, mais les voir mélangés dans un sujet unique n'a pas de sens car on passe du coq à l'âne. Si le jazz est beaucoup plus large dans ses univers, le blues est beaucoup plus encadré et facile à délimiter. Mais mélanger les deux font qu'on passe totalement du coq à l'âne, avec des musiciens qui n'ont rien à voir.

En l'état, c'est comme si je voyais un sujet sur les stars historiques du rock sans Freddie Mercury ou Bowie, mais avec David Guetta et Mika à la place : hors sujet et pas le bon style musical.
Vous aurez peut-être une idée de mon désarroi.
Ce n'est pas pour jouer les experts, mais les artistes plaqués ici forment un patchwork invraisemblable et beaucoup n'ont pas de légitimité, alors que des pierres essentielles sont absentes.

Je veux bien un jour m'atteler à de vrais sujets historiques, un sur le blues, et l'autre sur le jazz.
Mais ce n'est pas le genre de truc que je veux bâcler, et ça me prendra du temps.

En attendant, je suggère de mettre vos artistes jazz ou blues dans deux sujets séparés, un sur le jazz et l'autre sur le blues.
Peut-être comme des playlists de radio, là on pourrait passer d'un artiste à l'autre sans que ce soit gênant au niveau du concept, au contraire : là le patchwork serait explicable et les erreurs de casting sans conséquence.
Mais continuer tel quel le présent sujet qui se veut historique et informatif n'a aucune légitimité à mes yeux, il aboutit au contraire à une forme de désinformation par méconnaissance du sujet, désolé.

Pourtant Blues et Jazz ont des racines, un tronc commun. Ils sont nés à peu près dans les mêmes endroits, ont pour origines les mêmes souffrances. Les dissocier me semble difficile. Ils expriment souvent les mêmes plaintes et les mêmes revendications.

Gorak a écrit:

Pourtant Blues et Jazz ont des racines, un tronc commun. Ils sont nés à peu près dans les mêmes endroits, ont pour origines les mêmes souffrances. Les dissocier me semble difficile. Ils expriment souvent les mêmes plaintes et les mêmes revendications.

Oui pour les racines et origines, mais je t'assure que les deux, même avec des points communs, sont très différents. Exemples :
Le blues pour simplifier grossièrement est au départ une musique de soliste, joué par un guitariste, (après, on peut rajouter l'harmonica, etc...) : d'origine rurale, elle ira monter dans le nord (Chicago) pour s'électrifier et adopter des combos plus classiques (avec batterie).
Le jazz lui est d'origine urbaine (Nouvelle-Orléans) et concerne surtout les big band au départ.
Il y a une grosse différence entre un big band des villes avec ses cuivres, et un bluesman solitaire de la campagne.
Quant à les dissocier, et bien les rayons de la Fnac le font sans problème depuis des décennies.

Aretha Franklin a décidé de prendre sa retraite. C’est en effet ce qu’elle a annoncé mardi sur la chaîne télévisée locale de Detroit, WDIV Local 4. « Je dois vous le dire, je prendrai ma retraite cette année, a-t-elle confié. Ce sera ma dernière année… » L’icône de la Soul, âgée de 74 ans, souhaite en effet pouvoir consacrer plus de temps à ses petits-enfants notamment, avant qu’ils partent pour l’université.

Cependant, elle n'entend pas rester inactive. Et un prochain album est en préparation, réalisé par Stevie Wonder, dont la sortie est prévue pour septembre.

J'avais eu la nouvelle. Ceci dit vu la soupe commerciale qu'elle nous sert depuis des années, je n'attends rien de son ultime album. Cela fait belle lurette qu'Aretha ou ou Stevie Wonder ne sont que des ombres des génies qu'ils ont étés. Et encore, Aretha n'était pas compositrice.
Il n'empêche qu'il y a de véritables perles dans son répertoire Soul. Le grand public ignore qu'elle vient du gospel et qu'elle a enregistré plusieurs albums de ce style.
En passant, voici sa version d'un gospel composé par ... Elton John, en 1970 :

Rory Graham - c'est son vrai nom - a 32 ans. Il est né en Angleterre, près de Brighton et a baigné, tout petit déjà, dans une ambiance familiale où l'on écoutait du jazz ou de la soul. Il sort son premier album, rajoutant des influences hip-hop et r'n'b. Sa voix est ce qu'on retient immédiatement, c'est elle qui lui vaut des records de ventes pour son premier single, Human, et la reconnaissance des professionnels avec une victoire à la clef au Critics' Choice Award cette année.

Rag'n'Bone Man, "funk" et "soul" tatoués en gros sur ses phalanges, revendique un côté artisanal et guidé par les émotions. L'homme a une histoire, un passé de petits boulots, dans le social notamment. Une matière qui se raconte, qui se découvre chez Rag'n'Bone Man au fil d'une voix qui porte.

Rag'n'Bone Man. Retenez-bien son nom ; on a pas fini d'en entendre parler.

En tout cas, moi, j'adopte !

J'ai entendu récemment son single sur Oui FM et je me suis demandé si ce n'était pas même chanteur que Take me to Church, à savoir Hozier :


Pour revenir à Rag'n'Bone Man, je n'ai pas encore écouté son album. J'ai survolé quelques titres. Les 5 extraits que j'ai entendus n'étaient PAS du blues.
Le look est clairement celui dans le registre de Poppa Chubby. Pour le côté chanteur à voix, background "ouvrier" et métaphore métallique , on pense évidemment à Joe Cocker, plombier/gazier et auteur d'un album Sheffield Steel.

Difficile de classer un artiste aussi prolifique et touche à tout. Mais ses influences premières étant la Soul et le Rhythm and Blues, autant en parler ici.

Pour dire quoi ? Son palmarès parle pour lui : 26 albums studio, 03 albums de musiques de film, 04 albums live et 98 singles... Plus de 100 millions d'albums vendus, 25 Grammy Awards, un Oscar, plus de 50 ans de carrière...
Une carrière commencée à onze ans, âge où Stevie Wonder, né en 1950 dans le Michigan, troisième enfant d'une famille pauvre, signe son premier contrat. Il maîtrise dès ses huit ans le piano, l'harmonica, les percussions et chante dans la chorale de son église. Le début d'une carrière qui lui fera tutoyer les sommets, surtout dans les années 1970 où il enchaîne ses plus grands classiques. Curieux, novateur, Stevie s'attaque à plusieurs genres, Pop, Funk, Soul, synthétiseurs, balades... Il ouvre la voie à beaucoup d'artistes qui se réclameront de lui, côtoie les plus grands. Les années 1980 seront plus commerciales peut-être mais avec des tubes imparables, d'une efficacité redoutable, comme le fameux I just called to say I love you qui lui vaut un Oscar. Tout ce qu'il touche se transforme en or.

Aveugle depuis quasiment sa naissance, Stevie Wonder se montre toujours enjoué, souriant et chaleureux, demandant à ses fans lors de ses concerts de garder la foi, d'aimer et d'être heureux. Au-delà de son talent, de son génie même, l'homme attire par sa chaleur, son enjouement, son énergie. Profondément croyant, il milite également pour les Droits Civiques et il a une influence non négligeable sur la décision de Ronald Reagan, en 1986, d'instituer un jour férié en mémoire de Martin Luther King. Il rendra hommage également à Bob Marley, à Michael Jackson et Whitney Houston, deux amis proches dont la disparition le touche beaucoup. Sans parler de celle d'Aretha Franklin qui le marque profondément.
Beaucoup le considèrent aujourd'hui comme l'un des plus grands artistes musicaux de la seconde moitié du XXème siècle. Ou comme l'un des plus grands artistes musicaux tout court.

Dans le milieu des musiciens, c'est un monstre sacré, un surdoué, un novateur. On a coutume de dire de lui qu'il pouvait faire des trucs très compliqués mais qui avaient l'art de rester très accessibles. Son génie s'est principalement exprimé dans certains de ses albums des 70'. Mon préféré de lui reste Innervision.